弹古筝的技巧 如何练好古筝，有哪些小窍门和技巧？

学古筝的技巧？？~

首先您需要练好腕力和指力，凡事都是循序渐进，特别是乐器这种东西，更不能急于求成，这样不仅达不到想要的效果，反而会练出很难改变得错误的习惯，这种优雅的乐器，双手弹奏手的姿势和左手压弦的姿势是很重要的，但这两个都是以指力和腕力为基础来练习的，您在开始学习的时候一定要特别提醒自己注意姿势。第二点是基本指法，古筝的指法比较多一点，您在练习的工程中一定要特别提醒自己按照正确的手型去练习，在这过程中肯定会找到自己的问题，就是相对弱一点的指法，要根据自己的问题练习，而不是别人说觉得什么难自己加强练什么。像我自己吧，我不太擅长摇指，总是大臂用力练完了都特别酸痛，所以我以前就拼命的找感觉，偶尔出门也会找手腕的感觉。我觉得，在初学阶段千万别不要急着练曲子，这样手型的手指姿势还没练好，养成习惯真的很难改，选择古筝学肯定多少是喜欢它的典雅，试想如果穿着优雅但是姿势不好真的还蛮可怕的，应该多练练指法的练习曲，跟老师学也好自己练也罢，这都是最重要的，打好了基础，以后练习自己喜欢的曲子会很快的~而且还能让手指很修长很好看哦~还有就是在练习中需要注意的是手肘和手腕的高度，最好要保持一个高度，手肘比手腕高太多就不好看了~总而言之，我觉得基本指法最重要，就好像是一首好曲子中的音符，是基础而且必不可缺~但是最好能抽出整块时间练习，这样才能定型才有效果~

第一，多听。不论是学习什么乐器，都要多听这一乐器演奏出来的音乐，这也是让自己处在一个耳濡目染的环境中，培养自己对于节奏的把控能力，培养自己的乐感。现在网络媒体特别发达，可以去看一下优秀的古筝演奏家是如何演奏古筝的，可以从他们的表演中，对古筝这一乐器有一个更深的了解，增加自己对古筝的热爱程度和兴趣。

第二，基本功很重要，也就是古筝的一些指法。无论是学习哪一门乐器，基本功都非常重要，对于古筝来说，右手的一些基础指法，左右手的配合，非常重要。很多人可能觉得古筝比较大，除了在家里，坐在古筝前，其他很少有机会可以练琴，但其实不是这样的，有的时候可以把桌面当作是琴，让自己的手指在桌面上活动，进行空弹练习，这样就可以随时随地地练习古筝。不单单是古筝，很多乐器都可以如此，比如说琵琶，比如说钢琴，都是可以离开了琴而练习指法的。

第三，多练习。练习是必不可少的，这是想要学好一门乐器唯一的方法。现在很多人都有学习乐器，一天都会花一些时间来练习乐器。我觉得每天的练习是必不可少的，最好能够保持一个小时以上的练琴时间，只有每天都在练琴，才能不让自己对琴感到生疏，下一次摸琴的时候，才不会上手慢。在练琴的过程中，可能很多人会感觉乏味，可以适时地更换一下练习曲目，让自己的练琴过程更有趣一点。

古筝并不是一个很好学的乐器，如果想要把它学好，首先要有勇气，其次是要有毅力，只有不断坚持，才能真正理解一门乐器，掌握一门乐器，并且将它演绎好。

衡量弹好一首乐曲的标准是什么？

道德要达到乐谱上标定和提示的要求：第一要检查弹奏是否有错误，如旋律、八度音高、节奏是否正确；

第二要检查速度是否达到要求，如某一段落标明每分钟多少拍，听听是否达到（最好能借助节拍器）；

第三要检查力度，查看乐谱上的如mf、mp和一些渐强、渐弱等标记，检查自己是否达到；

第四要检查熟练程度，看看能否至少边疆完整地演奏三遍而没有错误；

最后，要检查自己对乐曲内容、整体结构与音乐风格的把握是否到位，不过对最后一条的检查，最好还是交由专业教师来评判。

对于更高标准而言，我们可以从“孔子向师襄子学琴”的故事中看出孔子所追求的琴艺境界；

从掌握技能、理解结构、了解作者背景、领会意蕴到把握精神。

所以要想提高琴艺，达到更高的标准，需要大家在每个学习阶段中不断地磨练与提高。

如何弹奏出优美的音色？

音乐的基本要素包括音准、节奏、强弱和音色。其中惟有音色是最抽象的、最难把握的东西。它领带手指触弦感觉和内心的感悟。

手指触弦对音色的控制分为：点、面、角、速、力，也就是说手指触弦不仅有力点、角度、国度的变化，还要富有弹性，

更有“轻重”、“缓急”的区别。

轻而不浮，在轻中不失清亮，即使是在极细微之处，手指也能弹出清亮而饱满的琴音；
重而不滞、强而不燥，虽有“力拔山兮”之势，却不能给人以卤莽之感。

音色的把握需要你不间断地、细致入微地去体会和研究，它会随着你的年龄、学琴时间的增长而不断提高。

如何处理好乐曲旋律进行的“缓急”之分？

乐曲旋律和乐句的进行有“迟速”、“缓急”，亦如人说话有语调、语速之差别。

严天池有诗云“几回拈出阳春调，月满西楼下指迟”，

如果你的手指一触弦就只知道匆匆忙忙地弹下去，就会给人以躁动不安之感；

反之，过于凝滞，也会令人索然无味。

把握“迟速”、“缓急”的关键在于“速”与“急”时（如乐曲的快板）要连接紧密，

节奏急促却不杂乱，既要有如骏马奔腾之势，又要有如平步青云之感。

“迟”与“缓”时（如乐曲的慢板、散板）旋律要连绵而不拖沓，从容而不呆滞，

既要有如碧水深潭般的沉静，又要有如闲庭信步般的从容。

怎样才能做到上台不紧张？

演出之前要有充分的技术准备和心理准备。常言道“台上一分钟，台下十年功”，“艺高人胆大”。

如果上台之前你的乐谱还没有背熟，乐曲技术还有负担，那么你就取消这次演出吧！因为听众的掌声只会给予精彩的演奏。

如果技术不成问题，那么心理的准备就不容忽视了。它包括要自信，要有强烈的表现欲望，同时，不能患得患失。

绝对不要去想：弹错了怎么办？演砸了怎么办？要知道：世界末日是不存在的！

这次演奏不好，那么下次再来吧！你只要自己尽了力，问心无愧就行。

另外，保持体力也是很重要的，如果演出之前情绪过度兴奋、过于增加练琴强度，

那么就会出现手指乏力、情绪失控等心有余而力不足的景象。

你在演出的过程中，要把握两点：松与紧的结合，也就是生理上要放松，思想上要保持集中。

不要在意听众的反应，抛开思绪中所有的杂念，把你内心的音乐完美地呈现给听众。

什么是琴艺的“最高境界”？

我想借用明代徐上瀛在《溪山琴况》中所谈到“和”的观点来回答这个问题，即：“弦与指合，指与音合，音与意合”。

我个人以为弹琴惟有由心生意，由意生音，由音至技方能达到琴人合一的境界。

乐曲的演奏并不是单纯的技巧、或外在形体动作与面部表情的表现，乐曲的核心是其所包涵的思想内容，

演奏的核心是将乐曲的思想内容传达给听众。

具体的演奏技巧只是一种手段，其最终目的是要运用这些外在的表现技巧展现乐曲的思想内容。

所谓“琴艺的最高境界”只是一种理想，对它的理解也颇有些虚无结构缈的意味，

我们不妨将这个概念转换一下，将其理解为：理想境界的到达，

实际上就是一个通过不断地刻苦努力掌握与提高各种音乐的表现手段、不断地完善自己的音乐修养，

进而不断提高自身表现乐曲思想内容能力的、终其一生的追求过程。

在我看来，追求理想的过程，比达到理想的目的更有趣味，因为——目的是静止的，

在某种意义上讲就意味着停滞，而不断地追求是永远的，只有不断地追求才会有不断地提高。

艺术的境界是无尽的，艺术的追求也应该永无止尽，我个人以为生命的意义也在于此吧。

如何练习好“摇指”技巧？

这里只介绍最基本，最常用的两种摇指技巧：大指摇与食指摇。

大指摇的练习方法是：右手小指轻靠筝头为支点，食指贴紧大指指甲尾部以便控制音色与力度，

中指和四指呈自然松驰状，大指在同一弦上连续摇动，“托劈”的方向是大约为45度角。

食指摇的练习方法是：大指贴紧食指指甲尾部，其他手指呈自然松驰状，以手掌根部轻靠筝头为支点，食指在同一弦上连续摇动。

当你初步掌握了摇指的方法后，

练习可分为三个步骤：1，有节奏地慢练。2，在一根弦上不间断地摇奏。3，进行连贯的换音过弦练习。

关于悬手摇的几个要领------邱大成

1，大臂自然下垂，切忌抬高手肘。

2，手臂松驰，悬手，无扎桩依托。

3，腕部来回运动。切忌手腕高耸或下压，注意手腕的灵巧性。

4，甲尖触弦，注意吃弦的深度，来回运动的速度要一致，力度要均匀。

5，多层次的训练方法。即由慢到快，由快到慢，由弱到强，由强到弱，做各种不同节奏和不同速度的练习。 根根琴弦，不是琴弦，都是我们的心弦。
为什么所有的演奏家说起古筝的演奏时，全都不约而同的告诉我们，古筝，是要用“心”来弹的。
弹琴前要先洗手，不要弄脏你的琴弦。如果心脏了，你的音乐也是脏的。
不要去强行上一些技巧性很高的曲子，如果你的基础达不到。否则，就好象让一个什么都还没经历过的孩子。
一夜之间，失去了亲人，失去了所有。伤了琴，也伤了心。
不要计较曲子的大小，不要计较旋律的复杂。一首游刃有余的渔舟唱晚要比一曲磕磕绊绊的林冲夜奔好很多倍。
这也正是我的亲身经历，有一本书上说过，古筝弹奏，有轻重缓急之分，
缓、旋律要连绵而不拖沓，从容而不呆滞，既要有如碧水深潭般的沉静，又要有如闲庭信步般的从容。
急、要连接紧密，节奏急促却不杂乱，既要有如骏马奔腾之势，又要有如平步青云之感。
这句话真的是很精辟，很需要我们认真的去思考，去体会。
然后，你的道德达到曲子的要求了吗？换句话说，如过你带着 秦烩 的心态，就不要来弹临安遗恨了吧~
最后，弹琴 就一定要能进入状态。当一首曲子，你可以把它滚瓜烂熟的弹下来，技巧毫无破绽的时候。
请放开所有的技巧，让你的心进入这个曲子，用心去感受，让你的心带起你的手，让你的手随心而至的去弹，
去走，去跑，去哭，去笑。这一点，听起来难，其实一点都不难，试试就知道了^_^.
打个比方来说，渔舟唱晚，心境走到倦鸟归巢，那下手就要轻灵，心境走到湖水粼粼，下手就要连贯不呆滞。
必须已经把谱子和拨弹的顺序烂熟于胸，才能够做到这样的 完全用心去带动。

诸如此类，还要针对各个曲子独自悉心体会。
关于练习曲，先套用书上的那句话，一定要知道，你这次练习的目的是什么，用怎么样才能达到你所要求的境界。

比如说一下~ 我弹摇指，发现不连贯，然后，为什么不连贯，因为耐力不够，耐力不够，就要踏踏实实的去做基础摇指练习。

还是摇指，音色不好听，为什么不好听，原因有力度，触弦点，触弦角度。这个曲子需要什么样的触弦点，需要什么样的力度。

就应该认真的慢慢摇，把音色摇好，摇出来之后再上速度。

还是诸如此类，比如提弹音色不好，夹弹不连贯，都要能刨根问底找出最基本的原因，不要摇指不连贯就去怪速度不够。

音色不好听就去怪密度不够，虽然也有这些原因，但这些都还不够深入，要找到最基本的原因，

把基本练好，然后再去求速度和密度，踏踏实实的去练，才能有根本的提高。

换句话说，是质的飞跃。

然后，好象没什么要说的了。

强调一下，真正的把琴弦当做你的心弦，怎样对自己的心，就怎样对它。它自然也会回报你。

不要强行的求大曲子了`半年学会林冲 临安 秦桑的蝶 不也还是准备去弹浏阳河了？^_^

好好的爱你的古筝，就是呵护了你一颗平静而快乐的心！

衡量弹好一首乐曲的标准是什么？

道德要达到乐谱上标定和提示的要求：第一要检查弹奏是否有错误，如旋律、八度音高、节奏是否正确；

第二要检查速度是否达到要求，如某一段落标明每分钟多少拍，听听是否达到（最好能借助节拍器）；

第三要检查力度，查看乐谱上的如mf、mp和一些渐强、渐弱等标记，检查自己是否达到；

第四要检查熟练程度，看看能否至少边疆完整地演奏三遍而没有错误；

最后，要检查自己对乐曲内容、整体结构与音乐风格的把握是否到位，不过对最后一条的检查，最好还是交由专业教师来评判。

对于更高标准而言，我们可以从“孔子向师襄子学琴”的故事中看出孔子所追求的琴艺境界；

从掌握技能、理解结构、了解作者背景、领会意蕴到把握精神。

所以要想提高琴艺，达到更高的标准，需要大家在每个学习阶段中不断地磨练与提高。

如何弹奏出优美的音色？

音乐的基本要素包括音准、节奏、强弱和音色。其中惟有音色是最抽象的、最难把握的东西。它领带手指触弦感觉和内心的感悟。

手指触弦对音色的控制分为：点、面、角、速、力，也就是说手指触弦不仅有力点、角度、国度的变化，还要富有弹性，

更有“轻重”、“缓急”的区别。

轻而不浮，在轻中不失清亮，即使是在极细微之处，手指也能弹出清亮而饱满的琴音；
重而不滞、强而不燥，虽有“力拔山兮”之势，却不能给人以卤莽之感。

音色的把握需要你不间断地、细致入微地去体会和研究，它会随着你的年龄、学琴时间的增长而不断提高。

如何处理好乐曲旋律进行的“缓急”之分？

乐曲旋律和乐句的进行有“迟速”、“缓急”，亦如人说话有语调、语速之差别。

严天池有诗云“几回拈出阳春调，月满西楼下指迟”，

如果你的手指一触弦就只知道匆匆忙忙地弹下去，就会给人以躁动不安之感；

反之，过于凝滞，也会令人索然无味。

把握“迟速”、“缓急”的关键在于“速”与“急”时（如乐曲的快板）要连接紧密，

节奏急促却不杂乱，既要有如骏马奔腾之势，又要有如平步青云之感。

“迟”与“缓”时（如乐曲的慢板、散板）旋律要连绵而不拖沓，从容而不呆滞，

既要有如碧水深潭般的沉静，又要有如闲庭信步般的从容。

怎样才能做到上台不紧张？

演出之前要有充分的技术准备和心理准备。常言道“台上一分钟，台下十年功”，“艺高人胆大”。

如果上台之前你的乐谱还没有背熟，乐曲技术还有负担，那么你就取消这次演出吧！因为听众的掌声只会给予精彩的演奏。

如果技术不成问题，那么心理的准备就不容忽视了。它包括要自信，要有强烈的表现欲望，同时，不能患得患失。

绝对不要去想：弹错了怎么办？演砸了怎么办？要知道：世界末日是不存在的！

这次演奏不好，那么下次再来吧！你只要自己尽了力，问心无愧就行。

另外，保持体力也是很重要的，如果演出之前情绪过度兴奋、过于增加练琴强度，

那么就会出现手指乏力、情绪失控等心有余而力不足的景象。

你在演出的过程中，要把握两点：松与紧的结合，也就是生理上要放松，思想上要保持集中。

不要在意听众的反应，抛开思绪中所有的杂念，把你内心的音乐完美地呈现给听众。

什么是琴艺的“最高境界”？

我想借用明代徐上瀛在《溪山琴况》中所谈到“和”的观点来回答这个问题，即：“弦与指合，指与音合，音与意合”。

我个人以为弹琴惟有由心生意，由意生音，由音至技方能达到琴人合一的境界。

乐曲的演奏并不是单纯的技巧、或外在形体动作与面部表情的表现，乐曲的核心是其所包涵的思想内容，

演奏的核心是将乐曲的思想内容传达给听众。

具体的演奏技巧只是一种手段，其最终目的是要运用这些外在的表现技巧展现乐曲的思想内容。

所谓“琴艺的最高境界”只是一种理想，对它的理解也颇有些虚无结构缈的意味，

我们不妨将这个概念转换一下，将其理解为：理想境界的到达，

实际上就是一个通过不断地刻苦努力掌握与提高各种音乐的表现手段、不断地完善自己的音乐修养，

进而不断提高自身表现乐曲思想内容能力的、终其一生的追求过程。

在我看来，追求理想的过程，比达到理想的目的更有趣味，因为——目的是静止的，

在某种意义上讲就意味着停滞，而不断地追求是永远的，只有不断地追求才会有不断地提高。

艺术的境界是无尽的，艺术的追求也应该永无止尽，我个人以为生命的意义也在于此吧。

如何练习好“摇指”技巧？

这里只介绍最基本，最常用的两种摇指技巧：大指摇与食指摇。

大指摇的练习方法是：右手小指轻靠筝头为支点，食指贴紧大指指甲尾部以便控制音色与力度，

中指和四指呈自然松驰状，大指在同一弦上连续摇动，“托劈”的方向是大约为45度角。

食指摇的练习方法是：大指贴紧食指指甲尾部，其他手指呈自然松驰状，以手掌根部轻靠筝头为支点，食指在同一弦上连续摇动。

当你初步掌握了摇指的方法后，

练习可分为三个步骤：1，有节奏地慢练。2，在一根弦上不间断地摇奏。3，进行连贯的换音过弦练习。

关于悬手摇的几个要领------邱大成

1，大臂自然下垂，切忌抬高手肘。

2，手臂松驰，悬手，无扎桩依托。

3，腕部来回运动。切忌手腕高耸或下压，注意手腕的灵巧性。

4，甲尖触弦，注意吃弦的深度，来回运动的速度要一致，力度要均匀。

5，多层次的训练方法。即由慢到快，由快到慢，由弱到强，由强到弱，做各种不同节奏和不同速度的练习。
根根琴弦，不是琴弦，都是我们的心弦。
为什么所有的演奏家说起古筝的演奏时，全都不约而同的告诉我们，古筝，是要用“心”来弹的。
弹琴前要先洗手，不要弄脏你的琴弦。如果心脏了，你的音乐也是脏的。
不要去强行上一些技巧性很高的曲子，如果你的基础达不到。否则，就好象让一个什么都还没经历过的孩子。
一夜之间，失去了亲人，失去了所有。伤了琴，也伤了心。
不要计较曲子的大小，不要计较旋律的复杂。一首游刃有余的渔舟唱晚要比一曲磕磕绊绊的林冲夜奔好很多倍。
这也正是我的亲身经历，有一本书上说过，古筝弹奏，有轻重缓急之分，
缓、旋律要连绵而不拖沓，从容而不呆滞，既要有如碧水深潭般的沉静，又要有如闲庭信步般的从容。
急、要连接紧密，节奏急促却不杂乱，既要有如骏马奔腾之势，又要有如平步青云之感。
这句话真的是很精辟，很需要我们认真的去思考，去体会。
然后，你的道德达到曲子的要求了吗？换句话说，如过你带着 秦烩 的心态，就不要来弹临安遗恨了吧~
最后，弹琴 就一定要能进入状态。当一首曲子，你可以把它滚瓜烂熟的弹下来，技巧毫无破绽的时候。
请放开所有的技巧，让你的心进入这个曲子，用心去感受，让你的心带起你的手，让你的手随心而至的去弹，
去走，去跑，去哭，去笑。这一点，听起来难，其实一点都不难，试试就知道了^_^.
打个比方来说，渔舟唱晚，心境走到倦鸟归巢，那下手就要轻灵，心境走到湖水粼粼，下手就要连贯不呆滞。
必须已经把谱子和拨弹的顺序烂熟于胸，才能够做到这样的 完全用心去带动。

诸如此类，还要针对各个曲子独自悉心体会。
关于练习曲，先套用书上的那句话，一定要知道，你这次练习的目的是什么，用怎么样才能达到你所要求的境界。

比如说一下~ 我弹摇指，发现不连贯，然后，为什么不连贯，因为耐力不够，耐力不够，就要踏踏实实的去做基础摇指练习。

还是摇指，音色不好听，为什么不好听，原因有力度，触弦点，触弦角度。这个曲子需要什么样的触弦点，需要什么样的力度。

就应该认真的慢慢摇，把音色摇好，摇出来之后再上速度。

还是诸如此类，比如提弹音色不好，夹弹不连贯，都要能刨根问底找出最基本的原因，不要摇指不连贯就去怪速度不够。

音色不好听就去怪密度不够，虽然也有这些原因，但这些都还不够深入，要找到最基本的原因，

把基本练好，然后再去求速度和密度，踏踏实实的去练，才能有根本的提高。

换句话说，是质的飞跃。

然后，好象没什么要说的了。

强调一下，真正的把琴弦当做你的心弦，怎样对自己的心，就怎样对它。它自然也会回报你。

不要强行的求大曲子了`半年学会林冲 临安 秦桑的蝶 不也还是准备去弹浏阳河了？^_^

好好的爱你的古筝，就是呵护了你一颗平静而快乐的心！

其实我看过上边的一些资料都不太对，我试过专门研究了一些练习曲，其实只是些死板的练习而已，主要就是要自己愿意抽取时间（大概要一下子练5个小时）就会有效。当然是有步骤的练，不然也是白练。练右手指法时要用左手捂着琴弦让其发不出声，就可以不受余音影响，清晰地听见是否速度够快，左手练习一样。（所有指法，包括遥指都可用）

这个只有打下扎实的基本功了！